Archivo del Autor: Elena

“Perséfone, Varietés mortales” de Comediants llega a Sevilla


Cartel de la compañía Comediants                                                En el Teatro        Lope  de Vega se representará el próximo 16 y 17 de enero la obra “Perséfone. Varietés Mortales”. La compañía se ha centrado en el tema de la muerte, pero visto desde una perspectiva humorística. Exponen la vida y la muerte como “EL CIRCO DE LA VIDA”

Este tema universal lo tratan con el estilo que caracteriza a la compañía Comediants: se acercan al género musical como hace en multitud de ocasiones a través de la música y del baile, utilizan máscaras y tienen un lenguaje esperpéntico, surrealista. Jin Hua Kuan, actriz y coordinadora del espectáculo, explica a la prensa en la presentación de Perséfone, que la muerte es un tema que se sigue considerando tabú. Este acercamiento a la muerte se realiza a través de la mitología. El hilo conductor lo lleva Perséfone, que a través de su historia, al contar su vida con intervenciones -de ahí lo de espectáculo de variedad- se mezcla con las máscaras y el baile creando una combinación entre lo más lúdico y lo más mitológico, más serio. Jin Hua Kuan lo relaciona con los mitos mediterráneo, los cuales reflejan el sentido de la vida y las emociones: “Ésta sería la parte popular. A nosotros nos gusta mezclar lo popular con lo moderno, lo contemporáneo”.

Ramón Calduch, autor de la música y cantante en la obra, añade el problema que tenemos los ciudadanos de abordar este tema; “siempre creemos que les va a tocar a otros”. Detalla que la obra empieza por lo luminoso, lo vivo, hasta que se va adentrando en el inframundo, en lo tenebroso -aunque mezclado con lo lúdico- y volviendo finalmente de nuevo a la luz. La protagonista vuelve a renacer. Lo explica como el ciclo de la vida. Es un proceso donde se pasa del invierno a la primavera. De la vida a la muerte, continuamente.

La compañía cumple 40 años y en este sentido se presentará en mayo un documental explicando los inicios y la actualidad de Comediants. La coordinadora adelanta que junto con el documental se venderá un CD con las canciones y la música de todos los espectáculos.

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Las representaciones serán los días 16 y 17 de enero a las 20.30 horas. Las entradas están entre 4 y 21 euros.

FUENTES:

TEXTO: Elaboración propia.

Rueda de prensa donde se presentó la obra el mismo día del estreno del espectáculo en Sevilla.

Páginas web: Teatro Lope de VegaComediants

FOTOGRAFÍA: Elaboración propia.

VIDEO: Elaboración propia.

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La formación escénica y la crisis económica

En los medios se habla diariamente sobre las consecuencias de la crisis económica. Del mismo modo se habla de la cultura, del supuesto peligro que corre. Pero, ¿Y los estudiantes de las artes escénicas? esos que de una manera u otra crearán la cultura el día de mañana

Teatro realizado por estudiantes de la ESAD debido al día Internacional contra el maltrato machista -25 de noviembre-

Una pregunta clave es si la crisis económica influye en la calidad de la enseñanza, en este caso en las formaciones artísticas y, más concretamente, en el mundo del teatro.

Un centro de formación artística se valora principalmente por los actores que de ahí han salido o por los profesionales que imparten la enseñanza. En centros como la ESAD (Escuela de Arte Dramático de Sevilla) hay prestigiosos profesores como Alfonso Zurro, actual jefe de estudios y antiguo director de la Escuela, donde su trabajo como autor y director de escena está muy reconocido. Sin embargo, es en Madrid o en Barcelona, por ejemplo, donde trabajan por lo general las personas más influyentes o conocidas en el mundo teatral, y esto se debe al amplio y diversificado movimiento cultural que tienen estas ciudades. Es por ello que a menudo sus profesores trabajan en las escuelas de arte dramático sin dejar de ser actores en compañías teatrales. Ésa es la diferencia, según afirma Iñigo López Escribano -estudiante de cuarto curso en la ESAD- que puede existir entre la Escuela de Sevilla y la de Madrid, por ejemplo.

En este sentido, el director de la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) en Madrid, Ángel Martínez Roger, ante la pregunta de si todos los profesores cobran por igual, afirma que “no hay distinciones de sueldos entre los profesores, ya que todos están estipulados por ley, tanto catedráticos, como titulares”. Lo mismo confirma Margarita Piñero, profesora de literatura dramática en la RESAD, que además de impartir clases en la escuela, es actriz, ayudante de dirección, gestora en el teatro profesional, y periodista teatral en revistas especializadas. Sostiene que “todos los profesores cobran lo mismo independientemente del prestigio que tengan”. Continua explicando que la única diferencia que tienen entre los sueldos está relacionada con la antigüedad (a más antigüedad, más complementos) y los catedráticos cobran un poco más. “Me imagino que en una escuela privada, se podría pagar más o menos a un profesor u otro en función de su prestigio, pero en una escuela pública eso es imposible, todo está regulado por ley”.

Escuela de Arte Dramático de Sevilla

Jorge Cuadrelli, director y cofundador de la escuela privada de “Viento Sur Teatro“, en Sevilla, clarifica que los profesores por lo general salen de su propia escuela, o en todo caso de la Escuela Superior de Arte Dramático, pero siempre son personas que han hecho algo con ellos y además suelen elegir a “aquellos que tengan más dedicación y una mayor vocación pedagógica”. En cuanto al sueldo “todos suelen ganar lo mismo, se cobra por hora”, exceptuando los cursillos y talleres intensivos donde se cobra por alumnos. Añade que “Viento Sur” es una empresa privada y decide de manera independiente los sueldos, los proyectos y los profesores.

Eduardo Arquer, estudiante de tercero en la ESAD de Sevilla, señala que él nota la crisis en la escuela en los materiales, de los que andan muy justos. Iñigo sostiene que no se puede hacer el mismo trabajo que hace unos años: “el trabajo está hecho siempre a medias”. Afirma que cada año hay más restricciones.

Eduardo observa, por ejemplo, que “todos andamos tirando de lo que tenemos”, con telas que alguien puede tener, y que se puede utilizar para mejorar la acústica en un aula al utilizar un instrumento, con alguna mesa que alguien les puede dejar para el montaje de una obra, con un disfraz de un amigo… y añade que no debería ser así. Una educación de calidad siempre debe trabajar con los mejores medios, como ocurre en EEUU, donde las universidades tienen unos medios maravillosos y los estudiantes salen muy preparados. Continúa explicando que el problema en España es que no somos autodependientes, lo que hace que el dinero que recibe la universidad de inversiones, de matrículas, o de donaciones de mecenazgo, se destina a la Junta, y no se lo queda las escuelas. Quizás una solución sea imitar ese modelo norteamericano, concluye Eduardo, “porque en Andalucía por ejemplo, es la Junta la que decide cuánto dinero nos va a dar y ese presupuesto que nos envía es totalmente insuficiente”. El estudiante explica que el problema de hoy en día es que se depende del partido político que esté en el poder o de los intereses que tenga el Estado en ese momento. Estas instituciones consideran la mayor parte de las veces que es más importante por ejemplo, generar empleo o construir viviendas antes que la formación, cuando esto Eduardo lo considera una contradicción, pues lo que deben hacer es invertir en la educación para que la gente del futuro sea gente preparada.

Del mismo modo hay que tener en cuenta que el presupuesto y los recortes económicos de educación en gran parte dependen de las comunidades autónomas, que son las que reparten y deciden cuánto, y a dónde va el dinero. Margarita, profesora de la RESAD, recuerda que los sueldos de los profesores lo marca en este caso la Comunidad Autónoma de Madrid.

No hay que olvidar que muchas personas deciden estudiar alguna rama relacionada con el mundo escénico, y por qué no, con el teatro. Está el debate de si es mejor una escuela privada o pública: ¿Cuál tiene más prestigio? ¿Dónde se aprende más? Marina Rodríguez Puertas, responsable de Producción de la “Fundición Teatro” en Sevilla, opina que lo ideal sería entrar en una escuela reglada pública, y una vez terminada formarse en escuelas privadas específicas.

En el siguiente ejemplo tomado de “Youtube” se puede observar el trabajo realizado por alumnos de la ESAD de Sevilla en la especialidad de escenografía.

Y una última pregunta: ¿Algún consejo que le daría a un artista que entra como novato en el mundo teatral? Su respuesta fue que “La formación es imprescindible, pero además son fundamentales la inquietud por la cultura en general, la constancia y la paciencia”.

FUENTES:

TEXTO: Elaboración propia

– Entrevista a los estudiantes Iñigo López Escribano y Eduardo Arquer. A través de correo electrónico le he hecho una serie de preguntas al director de la RESAD, Ángel Martónez Roger, a Margarita Piñero, profesora de literatura dramática en la RESAD, a Jorge Cuadrelli, director y cofundador de la escuela privada de “Teatro Viento Sur” y a Marina Rodríguez  Puertas, responsable de Producción de la “Fundición Teatro” en Sevilla.

– Páginas web: RESADESAD de Sevilla,Teatro Viento Sur, Fundición Teatro Sevilla.

FOTOGRAFÍAS: Elaboración propia.  “Flickr”

VIDEO: de “Youtube“. Es un montaje enfocado en la especialidad de escenografía de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla. Está publicado por ESAD Sevilla.

“Noche de Repálagos” Entrevista a Nacho León

Noche de Repálagos es un espectáculo realizado por estudiantes de la Escuela de Arte Dramático de Sevilla. Es representado un miércoles sí y otro no en la calle Castilla de Sevilla, frente de la Iglesia de la O. Comenzó, según afirma Nacho, como un “campo de prueba” donde llevar a cabo textos propios u obras de otros autores.

Pregunta: ¿Cómo surge la idea de Noche de Repálagos?

Respuesta: Pues teníamos la suerte de poder utilizar este centro cultural como lugar de ensayo, hasta que se nos ocurrió presentar al público las escenas sueltas que llevábamos a cabo en la Escuela de Arte Dramático. Y montamos un espectáculo como una especie de sketches. Se unieron otros compañeros de la escuela y probamos.

P: ¿Cuándo comenzásteis?

R: En noviembre de 2011. Y representando las obras semana sí y semana no, nos fuimos consolidando. Es por ello que este año en vez de ser gratuito como el año anterior, hemos puesto una entrada simbólica de cincuenta céntimos destinado a las mejores obras propias que se representen a lo largo del año: al pagar te dan un papel con el nombre de todos los espectáculos que se vayan a llevar a cabo, para que al finalizar la noche se vote. Esto lo hicimos para incentivar a que la gente escriba sus propios textos.

Dos actores durante el espectáculo

P: Los grupos que participan ¿deben estar estudiando en la Escuela de Arte Dramático?

R: No, cada persona que se aceque a nosotros puede contactarnos a través de facebook, y ya entonces le decimos que mande un video con su propuesta a nuestro correo electrónico. Nunca censuramos, pero la encajamos en una noche o en otra según mejor venga, porque sí intentamos que cada noche tenga algún denominador común.

Además estudiantes del Conservatorio de Música se han acercado a nosotros para hacer algo similar pero con música. Y vamos a probar a ver cómo va. Por ello un miércoles toca teatro y otro miércoles música.

P: ¿Cómo os dísteis a conocer?

R: Boca a boca cien por cien. Además a raíz de que nos hemos consolidado y aprovechando el tirón, hemos creado una compañía con el nombre “Noche de Repálagos”. Hasta ahora hemos hecho un primer montaje que se llama “Palco cofrade”, una comedia sobre la Semana Santa. De hecho ya tenemos algunas funciones concertadas y estamos moviéndonos para conseguir más. Intentaremos presentar la obra en salas de Sevilla como “Sala Cero” o “La Imperdible”.

Dos actores en escena

P: ¿Cuáles serían los pasos para darse a conocer en el mundo del espectáculo?

R: Bueno primero hay que conocer a mucha gente porque así es como principalmente se llega a los sitios. Tener contactos. Pero los pasos serían montar una compañía, tener un montaje, hacer un dossier de la obra y enviarlo. Moverse mucho para darlo a conocer e insistir continuamente. Llamar y preguntar una y otra vez si han leído el dossier. Y por nuestra parte contamos con que “Noche de Repálagos” ya le va sonando a la gente y por ello nos sea más fácil ir abriéndonos camino.

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FUENTES:

TEXTO:

– Elaboración propia. Entrevista a Nacho León.

FOTOGRAFÍAS:

– Elaboración propia.

VIDEO:

– Elaboración propia. Video 1 y Video 2 subidas desde “Youtube”.

LA CRUZ DE YERMA

Teatro Lope de Vega. Apenas hay muebles ni decoración. Sólo hay una cama, una mesa de noche y en el borde del escenario un riachuelo con agua, el cual no es suficiente debido a lo áspero y seco que está la tierra de alrededor: una gran grieta parte el habitáculo en dos

Yerma, cuyo drama de la protagonista es anunciada por su nombre, es una bella andaluza que se casa con Juan, el hombre que su padre eligió para ella. No obstante, más adelante hablando con una vieja conocedora de la vida le contó que “(…) el primer día que me puse novia con él ya pensé… en los hijos (…)”.

Pasan dos años desde que se lleva a cabo el matrimonio y ella aún no ha dado a luz a su hijo. Viste un traje blanco y suelto. Sus gestos son libres y ligeros mientras suspira y canta: “¿De dónde vienes, amor, mi niño?/De la cresta del duro frío/ ¿Qué necesitas, amor, mi niño? (…)” Mira al futuro con ilusión y agarre. Aún da saltos en el campo y se sienta en el suelo de manera desenfadada. Habla, ríe, canta. Sobre todo canta. Dicen las costumbres del pueblo que cantar ayuda a que la tierra te traiga a los hijos.

Pasan tres años y medio. Desesperada grita al mundo que necesita un hijo. ¿Dónde está su niño? A menudo se dice a sí misma que no es una verdadera mujer. Está seca ¡Seca! Tan duro y desgarrador suena en sus adentros: ¡SECA!

Cartel de Yerma donde sale la protagonistaY con el tiempo pierde quizás la cordura. No es feliz, ni nunca llegará a serlo. Su marido nada puede hacer por ayudarla. Ella le culpa por no desear a su amado hijo y por no poder dárselo. A veces la culpa es de ella, a veces de él.

Sin duda un hecho es evidente, y es que ella no desea a Juan, ni se divierte con él. Sólo estando cerca de Víctor, amigo de la infancia de Yerma, se siente diferente. Pero ni la casta ni el honor de la familia permiten ninguna rectificación en su vida.

Justo antes de finalizar la obra, mientras Juan procuraba hacerle entrar en razón diciéndole que no quería ningún hijo, sino sólo a ella, Yerma mata a su esposo con una cuerda que llevaba atada en la cintura.

No obstante, acto seguido grita alto. Sufre. Llora y gime. ¿Se arrepiente quizás? ¿Lo amaba acaso sin saberlo? No, ella sólo tiene un pensamiento y es que grita: “(…) he matado a mi hijo. ¡Yo misma he matado a mi hijo!”.

Su mente y su vida giraron en torno a la idea de tener un hijo. ¿Convenciones sociales? ¿Instinto humano?

Parte exterior del teatro

Yerma es una obra popular escrita por Federico García Lorca en el año 1934. Se sitúa en un ambiente rural de la Andalucía de la época y junto a La Casa de Bernarda Alba y Bodas de sangre son las obras escritas en su última etapa. Lorca se basó para estas obras en casos reales, ya que entendía que la realidad era superior a la ficción. Como escribe Mario Hernández en la Introducción de Bodas de sangre de Alianza Editorial, Lorca convierte la Historia, reflejo de hechos particulares, en Poesía, especie que consagra lo universal. Más adelante Mario Hernández afirma que la obra “se nutre de una sola raíz: la visión de la vida humana como destino trágico”. En sus obras Lorca destaca el doble plano del romance y la tragedia, así como se opone lo culto y lo popular. El autor lucha para crear un teatro destinado a la gente del campo. No obstante, sus temas globales interesan tanto a unos como a otros.

En un discurso pronunciado por Lorca el 15 de marzo de 1934 en el Teatro Comedia de Buenos Aires, sostiene que el teatro ha perdido autoridad debido al gran desequilibrio entre arte y negocio. Y añade: “(…) si sigue así y nosotros dejamos que siga así, conseguiremos que las nuevas generaciones pierdan la fe y, por tanto, el manantial precioso de la vocación”. Más adelante explica que con la definición autoridad se refiere a que el público vaya con emoción a los espectáculos que considera superiores a él, a los espectáculos donde aprende.

En las tres obras antes mencionadas el papel protagonista lo tiene la mujer, las cuales demuestran tener una gran necesidad de realización personal. La tragedia radica en que no consiguen sus deseos porque se lo impiden la muerte, el tiempo o las convenciones sociales. Este querer y no poder hace que el público esté continuamente con el corazón palpitando. La obra de Lorca es ante todo emocional. Y contacta del mismo modo con el público de hoy. Se trata de otro contexto histórico, pero actualmente seguimos en numerosos casos con los mismos problemas existenciales.

A continuación se puede ver una serie de fragmentos de “Yerma” de Producciones Faraute.

La Yerma representada en el Teatro Lope de Vega entre los días 22 y 25 de noviembre en Sevilla la lleva a cabo Producciones Faraute, de la Compañía Miguel Narros. Dicha compañía fue creada en 1997 por Miguel Narros, que se dedicaría a la producción artística, y Celestino Aranda, habitual colaborador en producción y distribución de los espectáculos de Narros. La compañía realiza la gira por todo el país y el 9 de enero de 2013 presenta la obra en la sede del Centro Dramático Nacional, Teatro María Guerrero.

Silvia Marsó realiza el papel de Yerma, cuya actriz, que también destaca en cine y televisión, realiza una actuación penetrante y desgarradora. La envolvente y realista actuación de los actores, unida a los cantes hace que la mítica obra de Lorca haga de verdad palpitar y mantener al público en constante alerta. Una manera de dejarse llevar por la Andalucía de la época.

Ficha artística:

Reparto:

Yerma: Silvia Marsó / Juan: Marcial Álvarez / Víctor, máscara de macho: Iván Hermes / Vieja pagana: María Álvarez / María/ lavandera: Lara Grube / Dolores: Rosel Pujol.

Equipo artístico:

Diseño Gráfico: Arteaga & San José Comunicación / Fotografía: Luís Malibrán / Ayudante de dirección: Luís Luque / Coreografía: Marta Gómez / Vestuario: Almudena Huertas / Música: Enrique Morente / Iluminación: Juan Gómez Cornejo / Escenografía: Mónica Boromello / Autor: Federico García Lorca / Dirección: Miguel Narros.

FUENTES:

TEXTO: Elaboración propia:

– Consulta del libro de Mario Hernández: “Bodas de sangre” Editorial Alianza.

– Parte del texto de la obra completa de “Yerma”

– Páginas web: “Producciones Faraute” , Teatro Lope de Vega, Sevilla, web oficial de Silvia Marsó 

FOTOGRAFÍA:

Cartel. Página web de la productora teatral “Producciones Faraute”.

VIDEO:

“Youtube”. Se trata de fracciones de la obra “Yerma” de Producciones Faraute. Está publicado por Teatro Jovellanos de Gijón.

La Sevilla artística en fiestas

Es navidad y la ciudad de Sevilla además de estar iluminada, se llena de eventos culturales y de actividades que llenan las calles y atraen a ciudadanos de distintas ciudades. Si se pasea por el centro se pueden ver grupos musicales venidos de fuera, performance o teatro callejero.

Teatro o arte callejero en general es una buena forma de hacer llegar la cultura a los ciudadanos. Se trata de una manera directa de llegar a los ciudadanos -tanto a niños como a mayores- y de mostrarles un trozo de historia, de talento o de ilusión.

Una característica especial es que son los artistas los que se acercan y buscan al público y no al revés. Del mismo modo los artistas callejeros cuentan con que el público puede irse en cualquier momento, por lo que deben llamar la atención de la gente y retenerla.

Avenida de la Constitución Sevilla

Puesto que las personas suelen estar ocupadas con su vida y suelen ir con prisa de un sitio a otro, hay que llamar su atención con la función. Esto requiere una actitud especial donde se cante, se baile, se hagan mimos, se imite la actividad diaria a través de un ritmo frenético o que los actores se vistan con ropa llamativa o de manera exagerada.

El arte callejero suele concentrarse en los centros de las grandes ciudades debido a la afluencia de gente. Además el contacto con el público es una practica perfecta para los artistas principiantes que quieran tomar un primer contacto con el público.

En la hoja que la artista tiene a sus pies dice representar a seres creativos

Hay que añadir que debido a la crisis económica, el consumo de cultura en España ha disminuido y el hecho de que artistas salgan a la calle puede ser una buena alternativa para no dejar de consumir cultura -con ningún coste o en todo caso barato si queremos reconocer su trabajo aportando algo económicamente-.

Del mismo modo se debe tener en cuenta que muchos españoles no tienen la costumbre de consumir cultura en general, por lo que el arte presentado en la calle al aire libre ahí donde más personas se concentran, es un modo de educación popular y de recibir los distintos mensajes que los artistas quieran transmitir. En este sentido el arte juega un rol importante en el proceso de transformación social.

En el periódico “El País” se escribió una noticia el pasado 10 de enero llamado: “El consumo y los hábitos culturales se mantienen en la crisis” donde el sociólogo y escritor Vicence Verdú afirma que los altos sectores de la sociedad no dejaron de ir a la ópera o las exposiciones. No obstante añade que la clase media sí ha ido menos al cine o al teatro, y ha visto menos la televisión. Según su opinión los hábitos de consumo cultural están cambiando.

Sevilla es un buen ejemplo: en esta ciudad confluyen multitud de artistas de diferentes ámbitos que esperan enseñarle al público sus ideas, sus proyectos o que simplemente esperan recibir una compensación económica a cambio de su trabajo. En todo caso es una manera mágica de enriquecer las ciudades y nuestras mentes.

 

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FUENTES:

TEXTO:

– Realización propia.

– Consulta noticia de el periódico “El País” llamado “El consumo y los hábitos culturales se mantienen en la crisis”

-Página web “My space” del grupo “Buenas Costumbres”.

FOTOGRAFÍAS:

– Propias.

VIDEOS:

– Propios. “Youtube”: Video 1 del grupo musical “Buenas Costumbres”, video 2 del artista haciendo la representación del baile de parejas.

Ilusión y teatro. Hablamos con José Luís Coronilla

El director de TECH

José Luís es un hombre de teatro. Contagia diariamente, quizás sin darse cuenta, su ilusión al grupo de actores que diariamente aprenden y se forman en el I.E.S Politécnico en la Compañía T.E.C.H.

Ciertamente no se trata de una escuela privada, ni de una compañía de prestigio, pero tienen lo único que según su director hace falta tener en teatro: pasión. Y por ello todos tienen una gran constancia y aportan a sus obras todos sus esfuerzos. Muchos de los que componen esta compañía, que entraron por probar nuevas experiencias, han descubierto una pasión, y han acabado entrando en la ESAD o en escuelas de arte escénico.

Su director, José Luís, es un hombre más bien tradicional, tolerante, y ambicioso. Siempre se muestra de buen humor, y a veces sonriente, aunque a primera impresión pueda imponer respeto y autoridad.

Con más de 100 obras dirigidas a sus espaldas, está dispuesto a contestar a todas las preguntas, aunque no duda en cortarte por haber hecho un apunte fuera de lugar:

José Luís durante el ensayo

Pregunta. En aspectos generales, ¿Hace falta dinero para enseñar bien?

Respuesta. Para enseñar, a mí no me hace falta dinero. Si te refieres a montaje para una obra teatral, entonces sí hace falta.

P. Si usted tuviera más presupuesto por ejemplo, ¿en que lo invertirías principalmente?

R. En el montaje de una obra de teatro lo invertiría en un vestuario más rico, más llamativo o más atractivo, y buscaría unos decorados en condiciones, dependiendo de la obra que se esté representando.

P. Esta compañía tiene la característica de no tener muchos costes económicos, comparándolo con otras escuelas privadas donde los alumnos han de pagar una elevada cantidad de dinero para recibir la formación. ¿Se aprende igual, más o menos en dichas escuelas, o simplemente se enseña de otro modo?

R. Aquí se trabaja con menos presupuesto porque yo no gano nada, y en los montajes me atengo a las posibilidades económicas que tengo. Lo que hago es hacerle ver la situación económica al equipo con el que me rodeo y entre todos buscamos una concordancia, para hacer lo mejor con menor gasto posible. Además ayuda de la administración no consigo ninguna.

P. ¿Por qué?

R. Lo que te puedo decir es que todo lo que se refiere a ministerios y delegaciones, dan subvenciones -y creo que excesivas- a proyectos de personas que se buscan la forma de llegar a la puerta donde le van a recibir para darle esa subvención.

P. Se refiere al amiguismo…

R. Sí.  Yo he llamado a muchas puertas y me han dicho que sí, que adelante, y me han dado un texto, puede ser que de unas 700, 800 páginas, y leyendo, me he dado cuenta de la cantidad de cosas que tengo que hacer para llegar a la subvención. Por ejemplo me decían que para recibir una ayuda para una obra, esa obra tenía que ser representado 200 o 300 veces. Y claro lo que yo decía indignado, era que a mí el dinero me hacía falta para poder montarla, o para publicitarme.

Es por ello que opino que si esos ministerios dan ayuda, deben ser más equitativas, y no ir “al uno, al dos, y al tres”.

P. ¿Ha mejorado, empeorado o sigue igual la formación teatral española?

R. Ha mejorado. Hay una inquietud en las personas jóvenes que acuden a los castings que se convocan. Éstos no han pasado por ninguna escuela de arte, pero bien por el cine o por la televisión, vienen con una formación que antes no tenían.

Actores de TECH

Teatro TECH

Pero sí puedo decirte que no era la misma entrega de los actores que yo tenía en los años 60, e incluso en los 70, que la que hay actualmente. Ahora hay más preparación, pero la entrega no es la misma. Hoy día las circunstancias sociales han cambiado, ahora hay quizás más atractivos en la calle o uno se busca más obligaciones que puede llenar un tiempo que le resta a realizar esa entrega hacia el arte escénico.

P. ¿Es diferente la formación en Sevilla, que en Madrid o que en cualquier otra ciudad española?

R. Yo sólo he representado fuera de Sevilla, pero haciendo un poco de análisis, no dejo de reconocer que Madrid y Barcelona pueden tener otros presupuestos que Sevilla no tiene.

P. Los que imparten la formación artística por lo general son personas con una amplia experiencia en ese ámbito escénico. ¿Siempre debería ser así?

R. Particularmente creo que hay creadas muchas escuelas las cuales se aprovechan de la situación diciendo que son escuelas de arte. Además, puedo decirte que muchas personas y alumnos han pasado por mis manos, después de haber estado tres años en una escuela de arte privada, y han dicho que han aprendido más aquí.

P. En tiempos de crisis, la cultura sufre mucho ¿está de acuerdo?

R. Totalmente. Porque en la crisis sufre todo. La crisis afecta a los seres humanos. En el momento en que afecta al ser humano, afecta a su intelecto y su intelecto le impide desarrollar todo su potencial, todas sus cualidades.

Otro ejemplo es la situación de los actores ante momentos de crisis que esté pasando familiar o personalmente, lo que le hace sufrir una situación que no le hace entregarse al 100%.

En el siguiente video se pueden ver fragmentos de una de las obras dirigidas por José Luís. Su título es “La lola se va a los puertos”

P. ¿Considera que actualmente es cuando más libertad creativa tenemos de todos los años de historia? ¿Hay algo que nos delimite?

R. Ten en cuenta que yo empecé en el año 66 a hacer teatro, desde esa fecha hasta hoy hemos tenido una evolución histórica en España, y yo no te puedo decir que estemos ahora mismo en la mejor situación creativa. Para mí cada época ha tenido su creatividad. Yo en los años 60, 70 hacia un teatro social, donde criticaba la situación política que cruzaba España. Ahora mismo no existe ese problema -entre comillas- pero hay muchas cosas que criticar. De hecho en el montaje actual que estamos haciendo, aprovechando el texto de Albert Camus (Calígula), es una obra escrita en los años 40, que parece que está escrito ayer. Plantea no solamente la situación social y política de España, sino de Europa, e incluso del mundo entero. Por esto la creatividad para mí tiene su momento. Hay que estar en cada momento histórico y saber aprovechar los montajes, que defiendan, ataquen o critiquen ese momento social-político.

FUENTES:

TEXTO:

– Elaboración propia. Entrevista a José Luís Coronilla.

FOTOGRAFÍAS:

– Elaboración propia.

VIDEO:

“Youtube”. Su autor es Dany36912.

Desde el punto de vista de los estudiantes

A continuación escucharemos a varios estudiantes de las artes escénicas. Nos contarán lo que sienten, lo que piensan, lo que esperan de la vida, de la vida que desean pasar encima de un escenario.

Iñigo López, estudiante de cuarto curso de Arte Dramático en Sevilla (ESAD), sostiene que “es una profesión donde hace falta mucho componente de trabajo y sacrificio, pero sobre todo ilusión y ganas en lo que haces, pues vas a pasar malos momentos, vas a trabajar mucho contigo mismo y con otras personas de forma muy cercana con las que pueden surgir problemas. Esto puede hacer que abandones el teatro y dedicarte a otra cosa si no estás lo suficientemente motivado”.

Elena Espejo está en un grupo de teatro de aficionados, y probablemente quiera estudiar en un futuro algo relacionado con las artes escénicas. Ella concuerda como la mayoría de estos jóvenes, que el teatro te debe apasionar a la vez que se debe tener un espíritu inquieto, para no rendirse.

Alba Núñez Suárez que ha realizando un curso de “Iniciación para adultos” en la Escuela privada de Viento Sur y que ahora se encuentra en primero de Arte Dramático, opina que principalmente en el teatro se necesita pasión e ilusión por cada cosa que se haga. Asegura que hay que ser muy fuerte, estar seguro de sí mismo y ser valiente, porque continuamente estás enfrentándote a tus miedos y además serás criticado y hasta machacado. Opina del mismo modo que su intención ahora es formarse lo máximo posible. “Y no dudo por ello lo más mínimo en salir a la calle para manifestarme por los recortes en educación. Ya bastante ineficientes son los materiales que tenemos, como para que se disminuyan más aún los presupuestos”.

A los entrevistados les preguntamos qué es lo peor de ser artista. Así, Iñigo sostiene que en general los artistas dependen demasiado de su trabajo propio y el trabajo es inestable. Opina que si uno está de moda en ese momento, se ganará bien la vida; mientras otros 99 estarán esperando una oportunidad que quizás nunca llegue. Alba Núñez añade que es un mundo un tanto superficial porque cuesta encontrar oportunidades para mostrar lo que vales o donde existe la necesidad de tener contactos. Sin embargo concluye que ésa es la realidad y “todos sabemos cómo va este mundo”.

Pero además de ésta realidad, con la que a menudo los nuevos actores se encuentran a la hora de echarse a la calle, lo peor según Eduardo Arquer, estudiante de tercero en la ESAD en Sevilla, es el rechazo social y la falta de comprensión. Iñigo admite que él quizás tenga romantizado el término artista y actor, “pero para mí hay gente que se lo aplica con demasiada ligereza y puede rebajar la profesión”. Del mismo modo, continúa “a menudo el concepto de artista está relacionado en la mente social con realidades que no son ciertas, como el libertinaje, el ambiente bohemio, la gente vaga o el trabajo fácil”. Añade que como en todos sitios se puede encontrar gente así, “pero si conoces un poco el mundillo te das cuenta de que hay mucho trabajo y pasión por lo que se hace. Si no, no funciona”.

Por su parte, Eduardo opina que la gente no entiende que alguien se dedique a esto porque afirman que vivir de ello es muy complicado, que siempre va a ser un trabajo inestable o no va a ser un puesto fijo: “Y es verdad, tienen razón, pero lo que realmente quema es el saber que la gente no te entienda, no sepa a lo que te dedicas, y por mucho que lo expliques la gente no lo comprende”. Eduardo argumenta que cuando la gente no te entiende, a lo mejor no te apoya”.

Iñigo explica que es una profesión sin trabajo fijo: “Cuando terminas una película vuelves a estar en paro y si estás en la gira de una obra o una serie, en cuanto termine tendrás que volver a buscar trabajo”. Explica que lo que da dinero es la tele, sobre todo las series ya que si estás en un reparto regular te aseguran dinero durante un tiempo. “Muchos actores de teatro dicen que trabajan en la tele para poder pagarse lo que les gusta: el teatro”. Sigue opinando que vivir del teatro va a estar muy difícil: “Es una profesión donde hay mucha gente, hay mucho intrusismo ya que a menudo hay personas que no son intérprete y está en el mundillo” cosa que a la vez ve como positiva pues aunque para los profesionales les venga peor porque les quitan trabajo, no hay que olvidar que la interpretación es un vehículo de comunicación al espectador “y si alguien puede hacerlo mejor que yo, aunque no se dedique a esto estará aportando más de lo que yo puedo aportar”.

Obra teatral "Arsénico por compasión"

Obra dirigida por José Luís

Alba por el contrario, primero intentaría suerte con el teatro: “lo veo más directo y con mas contacto con el público, es algo más especial”. Aun así nunca diría que no al cine o a la televisión.

Iñigo ante la pregunta de lo que busca principalmente al dedicarse a este mundo, contesta que “hoy mismo una amiga me ha dicho una frase que define muy bien lo que pienso sobre la interpretación: Viajar a través del tiempo viviendo en otras almas”. En este sentido el teórico y director de teatro polaco, Jerzy Grotowski afirma en su libro Hacia un teatro pobre que el actor no actúa, no finge, ni imita. “Debe ser él mismo en un acto público de confesión. La representación debe servir a la manifestación de lo que cada actor es en su interior. (…) Ofrecerá su confesión, su cuerpo y alma desnudos, su yo intelectual y biológico. Mostrará todo aquello que la cultura y la vida cotidiana le impiden mostrar”. Esto es lo que comenta Iñigo sobre el libro Hacia un teatro pobre. “Surge por el aumento de la comercialización del teatro en los últimos cincuenta años”. Continúa explicando que este teatro pretende centrarse en el actor, en su técnica interpretativa, así como en los sonidos que pueda hacer con su cuerpo, “ya que éste en realidad es su método de expresión, es la única herramienta que necesita realmente”. Por todo ello, según Grotowski, la puesta en escena, que es lo que más cuesta dinero en una obra, puede ser mínima o incluso nula, donde por ejemplo los vestuarios pueden ser monos de trabajo, blancos o azules”.

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FUENTES:

TEXTO:

– Elaboración propia. Entrevistas a Iñigo López, Alba Núñez, Eduardo Arquer y a Elena Espejo.

– Consulta libro Hacia un teatro pobre, de Jeryz Grotowsky.

VIDEO:

– “Youtube“. Se trata de un texto leído por estudiantes de la ESAD para manifestarse en la huelga general del 14. Lo publica Carmen Carretero Gómez.